Profondément inspiré par l’American way of life au 20e siècle, Edward Hopper réinterprète la vie de ses compatriotes américains dans des scènes aussi mystérieuses qu’anodines. Père de l’immense Nighthawks, il laisse derrière lui un héritage pictural sans précédent avec une influence considérable sur le cinéma.
Autoportrait, 1903
Né en 1882 à New York, Edward Hopper est un peintre américain attentif à la représentation des scènes urbaines.
D’abord illustrateur, il s’intéresse à la peinture en fréquentant les peintres de l’école Ash Can, mouvement réaliste et inspirée des bas-quartiers new-yorkais.
Puis Hopper se rend en Europe à trois reprises. Il est influencé par Edgar Degas et Edouard Monet, même si leurs styles sont assez différents. Le peintre américain puise son inspiration dans les lieux ordinaires dont il fait ressortir l’extraordinaire.
Maison au bord de la voie ferrée, 1925
En 1924, Hopper décide de se consacrer exclusivement à la peinture. Il rencontre sa future épouse Joséphine Verstille Nivison dite Jo dans les cours qu’il suit. Elle tient une place primordiale dans son travail puisqu’elle pose régulièrement pour ses toiles.
C’est à New-York qu’Edward Hopper installe son atelier. Il est très vite reconnu comme l’un des représentants de la scène américaine.
En effet, il dévoile la vie quotidienne de ses compatriotes. Ses toiles reflètent principalement la nostalgie d’une Amérique passée sur fond d’un conflit interne entre les personnages représentés et le lieu dans lesquels ils se trouvent.
Automate, 1927
“Ce n’était pas les gens que je voulais peindre. Ce que je voulais peindre c’était le rayon de soleil sur le côté de la maison”, a dit un jour Edward Hopper (1882-1967). Et ce que ses trois séjours à Paris, à une époque où Picasso peignait Les Demoiselles d’Avignon, lui ont apporté, c’est la révélation de l’impressionnisme et du traitement de la lumière. Elle est la condition existentielle de son œuvre et c’est elle qui rend le paysage perceptible, dans ses variations mais aussi dans sa spatialité. Chez Hopper, le paysage, qu’il soit celui des villes, des côtes rocheuses de Cape Cod ou des routes de province américaines, nous paraît toujours le portrait d’une solitude irréductible dans la multitude.
Est-ce bien cette dimension qu’il voulait mettre sur ses toiles, lui qui a souvent répété « ce que je cherche à peindre, c’est moi » ?
Shop suey, 1929
Tôt, un dimanche matin, 1930
Une mise en scène théâtralisée
L’œil de Hopper parvient à saisir la bonne scène, la bonne émotion au bon moment. Celui qui regarde ses toiles n’est pas seulement un spectateur mais devient un voyeur dont la curiosité vient entraver le calme de l’instant. Une vision inquiétante sublimée par la touche photographique et cinématographique de l’artiste. Comme si nous assistions à un pollar américain, un roman policier, toutes les scènes sont chargées d’un mystère propre à Hopper.
The Long Leg, 1930
Une chambre à New-York, 1932
Sans même avoir été invités, nous observons ces êtres occupés, souvent préoccupés.
Les jeux de lumière sont francs et l’intérêt n’est pas tant dans l’expression des visages mais dans la posture, l’espacement entre les corps et les contrastes saisissants qui attirent le regard.
Compartiment, 1938
Cinéma à New-York, 1939
Des lieux pourtant communs deviennent extraordinaires par la façon dont Hopper les représente: géométrie du mobilier, ombres portées, présence ou absence de figure humaine ou encore une luminosité plus ou moins criante.
Il fait de ces endroits de vraies étapes de compréhension de son Œuvre.
La Nuit au bureau, 1940
Ces personnages sont potentiellement chacun d’entre nous, sans étiquettes, anonymes et dans une fausse intimité.
Au cœur d’une ville, devant des magasins, des cafés, des diners ou en intérieur, Hopper nous invite à la contemplation.
Les ombres ont leur part d’importance, tout autant que le travail de la lumière et l’intérêt porté sur l’architecture.
Station service, 1940
Hopper n’est pas spécialement passionné par les grandes structures architecturales, les gratte-ciels ou autres édifices d’ampleur mais s’attarde davantage sur les maisons, les bâtiments anodins qui nous entourent et auxquels nous ne prêtons pas forcément toujours attention. Sans oublier un bureau encore allumé en soirée, le coin d’une pièce ou une station essence.
Nighthawks (Les oiseaux de nuit), 1942
La transparence est chez Hopper une marque de fabrique. Par la présence régulière des fenêtres, il mise sur la perspective, la profondeur, de l’intérieur vers l’extérieur et inversement.
Nighthawks, a encore aujourd’hui une popularité planétaire. Cette toile résume à elle seule toute la complexité de l’Œuvre de Hopper. Le dehors et le dedans semblent se confondre par un jeu fascinant de lumière ,même si les personnages ne sont pas ultra-détaillés.
Hopper peint une œuvre tourmentée à l’intérieur. Car tout paraît trop calme, trop silencieux, et c’est bel et bien cette torpeur qui suscite l’inquiétude. Que se passera-t-il après ? La scène représentée est-elle annonciatrice d’un drame ?
Illustration pour “American Locomotive Co.”, 1944
Vue sur la mer, 1951
Pas étonnant alors qu’Edward Hopper ait inspiré le monde du cinéma. Pour beaucoup, il a mené la voie vers une vision mélancolique, désabusée, jouant sur les formes pour mieux charger le fond.
L’univers de Hopper laisse place à l’interprétation. Que voyez-vous lorsque vous plongez dans ces scènes triangulées par l’absence, le minimalisme ou la posture énigmatique des personnages ? Chaque atmosphère nous dévoile des images aussi bien silencieuses, propres aux désirs, à la frustration ou à la solitude d’un.e Américain.e dans sa vie de tous les jours.
L’été resta longtemps, Jean paul Hamery et Hopper, Summertime, 1943
Nous vivions dans l’éclat
sans savoir que la lumière
elle aussi renonce.
Nous ignorions que viendrait le moment
où s’éteindraient les lampes
et qu’avec elles s’en irait
un peu de notre sang.
Oui ce fut le matin
longtemps.
Puis l’obscur annexa
tout domaine.
Nous ne sûmes jamais quels chemins
nous avaient jetés là
face aux parois sans prises
de la nuit.
Cette autre rive (L’Obscur) © Éditions Folle Avoine 1988
Automate, 1927
Pour aimer il faut savoir attendre…
Solitude…
Solitude, sais-tu pourquoi je t’aime ?
Solitude, sais-tu pourquoi je t’attends ?
Solitude, sais-tu pourquoi je t’espère ?
Solitude, sais-tu pourquoi je t’ai apprise ?
En toi, je trouve le refuge face au regard étranger,
En toi, je trouve le silence face à l’inexplicable,
En toi, je trouve la paix face à l’épuisement,
En toi, je trouve celle que je suis devenue.
Avec toi, j’ai parcouru des chemins inconnus,
Avec toi, j’ai parcouru l’espoir et la désespérance,
Avec toi, j’ai parcouru la vie et la souffrance,
Avec toi, j’ai appris à tout réapprendre.
Alors, Solitude, quand ma main tu lâcheras,
Et qu’une main nouvelle viendra se tendre,
Alors, Solitude, souvent mon coeur reviendra,
Car pour aimer, il faut savoir attendre.
Elisabeth Lafont
Ces œuvres sont extraordinaires en utilisant des scènes ordinaires ce qui fait de Hopper un peintre de talent. Décrié par certains et admiré par d’autres!
Edward Hopper c’est vraiment im style énigmatique, des scènes très épurées qui évoquent un sentiment de vide, de solitude ou de vacuité
Ses toiles ne laissent pas indifférent. Personnellement k’aime beaucoup! Merci pour votre travail passionnant, e fois encore!🥰🥰
ravie de votre regard et commentaire
merci Dominique
Désolée pour les fautes, je suis allée trop vite!
pour Summertime 1943 je connais un poète du nom de Jean-Paul Hameury – voir https://fr.wikipedia.org/wiki/Jean-Paul_Hameury
merci René